關於電影，我略知一二……

本文原刊於〈新台灣新聞週刊〉第592期「電癮隨筆」專欄，請勿轉載，謝謝！
雖然本屆台北電影節從選片標準、行政程序等執行面、以至放映品質的種種疏失，高居往年之冠，但現在才來寫文點名批評，似乎也沒必要了。畢竟每個影展內部都存在著外人無法理解的難堪與心酸，以及種種必要的扭曲與妥協。所以，還是來談談台北電影節的兩顆遺珠吧。影展時與這兩部電影擦身而過的觀眾，還有機會補看到喔。

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．《針孔旅社》Vacancy
其實是衝著匈牙利導演尼姆洛安塔的名氣才去看《針孔旅社》的，因為實在難忘他在處女作《地鐵迷宮》中的凌厲影像氣勢。可惜就跟馬修卡索維茲等歐洲優質新銳進軍好萊塢後的下場一樣，《針孔旅社》只是另一部好萊塢製作的廉價B級片罷了。《針孔旅社》有個高概念的故事前提，它可以很Cult，也可以很有深度，可惜徒有針孔之名，劇本卻完全沒有好好發揮針孔攝影機營造極端壓迫感與窺淫罪惡心理的潛力。《針孔旅社》本有機會發展成例如山姆畢京柏的《Straw Dogs》那般深入心理懸疑的性驚悚片，或是像阿曼巴把《色情謀殺論文》Tesis玩得又好笑又懸疑又驚慄，可惜尼姆洛安塔雖對類型場面調度有著精確掌控，路克威爾森與凱特貝琴賽兩人雖在可以發揮的範圍內表現到最好，《針孔旅社》仍只是一部等HBO播的時候再隨便看看就好的週末夜爆米花片。它完全浪費了這個題材、浪費了有趣的道具，讓電影裡那幾卷真實虐殺影帶，成了有史以來最無趣的snuff film。
．《地鐵迷宮》影評：
http://mypaper.pchome.com.tw/news/legend1976/3/1248206873/20050618195640

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．《喧嘩的寂寞》Coeurs
Once upon a time…，當我還是文藝青年的時候，曾經一度雄心萬丈地從電影社抱了大約十片雷奈的新浪潮經典，想利用一個暑假的時間統統啃完。只可惜，這樣豪邁的決心，從來沒有真正實踐過。然後在某年民生報舉辦的法國電影節中，我總算在大銀幕與雷奈大師相遇，在真善美戲院勉強撐著看完《穆里愛》後，我認清了一個殘酷的現實，那就是我真的跟雷奈頻率不合，直到我看了《通俗劇》，以及《吸煙》、《不吸煙》…。
八十年代中期應該可看作雷奈的創作風格上，很重要的一個分界線，從那時候開始，雷奈的電影在外觀上變輕了，變軟了，也變親切了，儘管份量上仍是很重的。除了1989年的《我要回家》之外，這二十多年來，雷奈的每部劇情長片都由皮耶阿第提及莎賓娜阿塞瑪主演。我尤其喜歡1994年的《吸煙》、《不吸煙》，改編自英國劇場大師艾倫艾克鵬的劇本，兩位演員，九個角色，六個段落，十二個變奏，一段又一段相互交織辯證的機遇人生，全在兩部電影中說盡了。
歷經《法國香頌DiDaDi》與《就是不親嘴》兩部無法太令人印象深刻的輕音樂喜劇之後，雷奈再度改編艾倫艾克鵬的劇作，交出一張令影迷滿意的成績單。比較平易近人的說法，或許可把《喧嘩的寂寞》解釋成《巴黎不打烊》的大師升級版，或者是《銀色性男女》的劇場版吧。六個角色，三間房子，一間辦公室，一間酒吧，將近五十個段落，大大小小被門板、玻璃、布幔分隔的空間，高高在上的俯角，讓我們宛如全知上帝身旁的觀看者，俯瞰、傾聽一次又一次的飄雪（這種分場方式早在二十年前《生死戀》裡用過了）。事實上，這樣的觀看角度，讓那冰封了的六顆寂寞心靈，更惹人悲憐。
艾倫艾克鵬曾在《吸煙》、《不吸煙》裡，藉由一次又一次的「如果」，去挖掘另外N種可能的平行人生；這一次，《喧嘩的寂寞》裡的男男女女之於自己的命運，卻只能決定一次。艾倫艾克鵬原作裡那股尖酸的英式幽默，經由Jean-Michel Ribes的巧筆改編，奇異地泛出了雷奈最為影迷熟悉的疏離與冰冷。每日重複著既定的公式，保持著一貫的行為與態度（讓我想起艾騰伊格言）的六名劇中人，極其拘謹而隱晦地把自己的憂傷隱藏起來，封存在心底最難以觸及的角落。然而這般帶點絕望的沈靜與感傷，卻又高明地在最後一場美得令人心碎的落雪中，溫暖地昇華，曖曖中透著希望。
《喧嘩的寂寞》是雷奈繼《吸煙》、《不吸煙》後最精緻的作品，而從形式到內容的工整與相互對稱，又與他八零年代的兩部經典《生死戀》與《通俗劇》互通聲氣，雷奈迷切勿錯過。

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本文原刊於〈新台灣新聞週刊〉第587期「電癮隨筆」專欄，請勿轉載，謝謝！
年初才代表法國角逐奧斯卡最佳外語片的《巴黎不打烊》（Fauteuils d’orchestre），出乎意料竟是一部洋溢著些許日本趨勢劇味道的法國輕喜劇，那多線敘事的大堆頭賀歲風格，不免讓影迷們想起去年金馬影展的神秘驚喜電影《有頂天大飯店》。我之所以把《巴黎不打烊》與日本腳本家三谷幸喜自編自導的兩部作品《有頂天大飯店》及《心情直播不NG》串連在一起，可是其來有自。《巴黎不打烊》的導演兼編劇是有著四十年的編劇資歷的丹妮艾拉．湯普森（Danièle Thompson），她跟三谷幸喜一樣以喜劇起家，近年也不約而同跨足導演領域，包括其導演處女作《聖誕蛋糕》（La Bûche）及《緣來有轉機》（Décalage horaire）、《巴黎不打烊》共三部作品，皆與兒子克里斯多佛．湯普森（Christopher Thompson）合寫劇本。
起初，丹妮艾拉．湯普森透過知名義大利配樂家Nicola Piovani甜美的音符，伴隨銀幕上優雅的巴黎景緻，揭開《巴黎不打烊》的序幕，帶領觀眾逐一檢視片中或是偶然、或是刻意碰撞交織的人際網絡。對演奏意義感到困惑甚至茫然的鋼琴家，渴望突破現狀的當紅電視肥皂劇女星，即將拍賣所有收藏的老收藏家，與老收藏家有著長年心結且為背痛所苦的學者兒子，即將退休的劇院門房太太，這幾個原先宛如孤島般互不往來的角色，卻因懷抱夢想的少女潔西卡的來到，發生了化學作用，而所有不可思議的奇蹟，全都發生在「奢侈品天堂」蒙田大道的綜合劇院，及對面那間隨時可見藝文界名流出入的咖啡廳裡…。
一部成功的多線敘事電影，並非單靠純熟調度與華麗影像（或是刻意利用手提攝影塑造出不安定的紀實質感）的串連而已。更重要的，永遠是來自創作者，當他們冷靜地剝開那層永不停止天人交戰的道德焦慮外衣後，對最低度人性良善本質的敏銳觀察，那是誠然的悲憫，還有一份寬容。《巴黎不打烊》沒有勉為其難或百般算計的心機操弄，尤其相較《衝擊效應》（Crash）聲嘶力竭卻醜態百出，那結構嚴謹又對仗工整的劇本（簡直可以當作編劇班的教學範本了）不只是為了花俏而多線，更不是為了趕流行才來交錯。就如同丹妮艾拉．湯普森透過女演員對舞台布幔升起前人性百態的三言兩語觀察，表面上一派輕鬆，實則無比尖銳地傳達了來自她的「豁達人生哲學」。
每場戲開演之前，總是有些位置較遠的觀眾習慣拚命往前擠，等真正坐上正廳前座，卻又發現這未必是看戲的最佳位置。就如同人們往往抱怨得不到他們所想要的東西，然而有時只要轉個角，卻會得到意想不到的收穫。所以，被收藏家父親譏諷一毛不拔的學者兒子，終於在拍賣會場舉起了手參加競標；而原本要把所有的回憶拍賣掉的老收藏家，終究還是保留了生命中最美好的一部分。另外，被未婚夫拋棄的潔西卡得到了真愛，潔西卡的祖母也在半世紀後收到念念不忘的玫瑰花，女演員則獲得大導演的青睞，鋼琴家與妻子以相互讓步的方式讓雙方總算得已喘口氣…。即便每個角色的歸屬都在意料之中，即便類似的感動對觀眾來說並非創新，丹妮艾拉．湯普森仍以她纖細而幽默的感性，描述了藝術與人生之間，荒謬又神奇的偶然與巧合。丹妮艾拉．湯普森把她最熟悉的劇場與電影經歷，幻化為一幕幕先苦澀後柳暗花明的甜美，所有的不順遂與困惑，往日的辛酸與不快，就在尾聲那場音樂會（音樂）、舞台劇首演（戲劇）、以及富商收藏的拍賣會（藝術品）的同步進行中交叉拼貼，然後優雅地昇華。種種戰戰兢兢的微小善意與讓步的釋出，種種命定般美好又廣闊的交相呼應，不禁讓我想起了去年底甫過世的多線敘事大師勞勃．阿特曼（Robert Altman），他的代表作《銀色性男女》（Short Cuts）裡地震過後的洛城眾生相，不也放射出如是人生風景？

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．《三峽好人》Still Life
三峽大壩、離去兩年的丈夫、十六年來毫無音訊的前妻與女兒、畢業照、廢村…，《三峽好人》牢牢地刻上了時間的軌跡，就連那支來電會發出廣東歌的手機也一樣。水位的上升，村人的四散，臆想中上升的火箭，天外「咻」過去的飛碟，碰撞來去的生命…，《三峽好人》以一種屬於賈樟柯的獨特幽默，混和了寫實與超寫實，打造著一層又一層，各自的疏離，單獨的空間。這一次，賈樟柯不再讓他的影像透著他所崇拜的侯孝賢，或安東尼奧尼，或布烈松的氣味，他做回了自己。三峽大壩本身的歷史背景與意義，配合不斷從廣播、電視、路人甲口中冒出來的流行歌曲與新聞片段等賈樟柯一貫的文化符號鑲嵌，讓《三峽好人》仍是一部不折不扣的作者電影。它比《站台》跟《世界》通俗好讀，它給人一股更自在的冷靜，但因為曾經被《站台》震撼得無以復加，所以我仍必須說，對於賈樟柯，我永遠期待得更多…。．《圖雅的婚事》Tuya’s Marriage
中國第六代導演王全安與他的最佳搭檔余男，歷經《月蝕》和《驚蟄》兩部風格特殊的作品後，這回與《活著》名編劇蘆葦合作《圖雅的婚事》，在一片意外聲中拿下2007年的柏林金熊獎。這部有著德國資金，「疑似」暗盤交易而擒熊的中國電影，描述一名每日生活最重要的就是往返近百里路去運水的蒙古婦人圖雅，徘徊在丈夫、兒子、及一群向她求親的男人間的故事。圖雅的丈夫為了鑿一口井改善遊牧生活發生意外瘸了，「井」之於「女人」，意象上的暗示與連結，從「性」到「現實經濟」的需求，至此不言而喻，而圖雅的婚事，理所當然地成為一樁交易。儘管王全安的低調寫實，讓《圖雅的婚事》泛著一股樸拙的動人魅力，但電影開場刻意先「預告」那累贅的尾聲的安排，實在是一大失策。此外更值得注意的是，在西方得獎的中國電影，永遠在販賣、在消費、在呈現，西方觀眾對東方文明的奇觀想像。倔強的圖雅，體貼的巴特爾，狡詐的寶力爾，天真孩子氣的森格，這幾個純樸的角色對看慣老謀子電影（尤其是《秋菊打官司》、《一個都不能少》、《我的父親母親》）的觀眾來說並不陌生，感覺似乎只是把魯直的陝本農民換成內蒙牧人罷了。而那寓言體般的微妙無奈收場，也與《秋菊打官司》裡秋菊逐漸產生的疑惑，終於動搖的信念，有著異曲同工之妙…。

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誰說台灣的年輕帥哥導演只有鄭有傑，人家糕導可是比他年輕也比他帥多了。而且重點是，《愛的麵包魂》真的比毀滅性的《一年之初》好看萬萬倍！台灣那些影劇記者跑哪兒去了？只會追逐稍微長得好看一點的林育賢跟鄭有傑，切！真正的帥哥在這裡啦！
     
去年五月底《愛的麵包魂》默默在公視首播後，我就像發了狂一樣四處發email推薦這部片，甚至還把抓下來的rmvb檔轉拷給親朋好友（觸法示範，小朋友切勿模仿）。除了寫文拼命推，還死皮賴臉要某雜誌編輯登出來（跟她保證是台灣唯一一篇談這部片的「獨家」），甚至在看了一堆台北電影節瞎到了極點的青年導演競賽片後（例如《我的結婚日記》），大放厥詞批評台北電影節沒眼光，應該選《愛的麵包魂》參加競賽…。
 
所以，最近聽到一連串關於《愛的麵包魂》在金穗獎（刪減版）、在台北電影節試片的好評之後，我除了蠻自豪自己的慧眼以外，居然還有一種「自家孩子果然夠爭氣」的欣慰感。現在，《愛的麵包魂》終於登上大銀幕，要在台北電影節放映了，真是一則讓人興奮的消息。於是我決定略盡一點身為台客麵包師傅糕餅的死忠粉絲該有的義務，在此把兩位糕餅（片中飾演「糕餅」的演員高志宏VS暱稱就是「糕餅」的導演高炳權）的照片合成一下，幫忙催個票。
    
 
《愛的麵包魂》放映時間如下：
★06/30(六) 12:20 廳別: in89豪華數位影院。   
★07/05(四) 10:30 廳別: in89豪華數位影院。
  
  
儘管距離初看《愛的麵包魂》已經整整過了一年，現在偶然回想起劇中某些情節，回想起邱爸的廣播，回想起那間雅房出租的紅紙條，回想起糕餅哭著說的幾句話，那種感動立刻就湧上心頭。到底我有多感動，來欣賞一下我看了《愛的麵包魂》之後，學著做出來的拿破崙派（結果還是懶得做菠羅麵包），就知道了。
   
  
 

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．《比利小英雄》Pelle erobreren
我想，《比利小英雄》之於男主角佩勒溫尼葛德，之於導演比利奧古斯特，之於丹麥影史，永遠都會是一個里程碑。光是開場時一群瑞典移民搭船即將抵達丹麥那場戲（這樣史詩般的開場，前有《教父續集》，後有《血與骨》、《北之零年》、《金色大門》），就足以讓我激動萬分了。這般的樸實，這般深沈遼闊的格局，或許已經不是這個世紀流行的史詩電影模式，也未必能投合多數觀眾胃口，但也因此讓這部文學電影顯得彌足珍貴。《比利小英雄》是一部關於死亡的電影，從至上的農場主人到卑微的女僕，再到比利那年邁只能等死的老父，都被關在牢籠裡而無能為力，只有「出走」，才有辦法新生。電影的收場，是另一段未知的旅程的開始，那是一個更大更開闊的未來，或許有著加倍的嚴寒險峻。與開場同樣的長鏡頭與遠景，在同樣的不確定中，依舊泛著尚未被完全凍結的希望。感謝比利奧古斯特的低調與節制，讓那些悲劇性的時刻，滲透出極其靜謐的沈痛，還有激情。附帶一提，1974年出生的丹麥童星佩勒溫尼葛德，自從演了《比利小英雄》後，面對各方的邀約不斷，卻沒再演出任何電影（因為他父母希望他有個正常的生活），直到2000年才正式復出影壇。
．《芭比的盛宴》Babettes gæstebud
很多人喜歡把《芭比的盛宴》稱作是美食電影的始祖，把它和後來李安的《飲食男女》放在一起討論。不過對我來說，把《芭比的盛宴》拿來和約翰修斯頓改編詹姆斯喬伊斯的《死者》相互對照，會更有趣。與《芭比的盛宴》同一年完成的《死者》，是大導演約翰修斯頓的遺作。同樣是一場雪夜裡的晚宴，《死者》在哀悼逝去的青春美好無限的同時，悄然滲透一股無奈卻又釋然的成熟大度；相形之下，《芭比的盛宴》則宛若一道自然沁出，令人心頭為之一暖的熱流。無論是芭比的心願，一群年老清教徒受到美食誘惑後的解放，甚至兩個老男人對老姊妹花始終餘情未了的淡淡遺憾，都透過芭比的妙手美食，達成了某種充滿化學作用的大和解。我尤其喜歡那帶著適時幽默，輕巧到彷彿雪花飄落地面的聰明收場（恰與另一部丹麥經典《比利小英雄》的大氣綿長成為強烈對比），似乎戳上了丹麥影人的創作標記，瞧瞧《肥皂》最後那輕輕一吻，不也流露著些許的俏皮？

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．《美麗的約定》Le Grand Meaulnes
尚丹尼爾弗哈這位從七十年代拍電視劇至今的老牌導演，事隔三十多年才拍出他的第二部電影作品《美麗的約定》，無論敘事手法還是場面調度都明顯過時，整部片讓我想起十多年前台視週六深夜播放的大量迷你影集，或許有著精緻的文學電影氣味，卻缺乏更屬於影像本身的直接魅力，充其量也就是技巧熟練的場面配置者（Metteurs-en-scene）罷了。不過，我似乎也不應該過份抱怨《美麗的約定》外觀上的老舊跟不上時代，因為尚丹尼爾弗哈俗套但至少平穩親切的調度，配上菲力普薩德無比懷舊的厚重旋律，讓《美麗的約定》瀰漫著一股老電影獨有的迷人氛圍，充滿說服力地重現了第一次世界大戰前夕，發生在法國鄉間的一段美麗時光。除了尚丹尼爾弗哈確實捕捉到了幾個年輕靈魂神采盎然的詩意片刻，本片原著亞蘭傅尼葉帶著自傳色彩的字裡行間所流露出的濃厚感傷（兩對男女交相纏繞，卻又發乎情止乎禮的「重重約定」），對青春與死亡的無限喟嘆，更是《美麗的約定》之所以動人的真正理由。四位年輕演員（《放牛班的春天》小帥哥尚巴堤莫里耶後半段的「老裝」實在有點爆笑）外加雀斑男星馬立克吉第（《乾柴烈火》、《年華似水》、《解構新鮮人》）皆表現出色，其中又以坎城影后愛蜜麗德奎恩及神韻酷似法國永遠的偶像亞蘭德倫的男主角尼古拉迪佛休爾，表現最令人難忘。．《香水》Perfume: The Story of a Murderer
大約十年前，台灣的小型影展曾經上映過一部由徐四金擔任編劇的德國電影《慾望大酒店》Rossini，那時剛好非常沈迷徐四金的小說，總覺得《香水》的極端暴戾與詩意，除了我的偶像荷索之外，應該沒有其他人能夠拍得出來…。就在幾乎已經忘了當年徐四金的原著帶給我的震撼的2007年夏天，我看到了電影版《香水》。《香水》是一則殘酷的童話，湯姆提克威照舊自編自導順便包辦配樂，不過龐大的跨國資金逼迫這個改編計畫向廣大觀眾最熟悉的好萊塢敘事低頭，讓這部電影版美則美矣，卻失去了原著裡那種神秘如黑洞般的吸引力，也因此沒了它應該有的「傳奇性」（請自行比較《錫鼓》的開場及《賈斯柏荷西之謎》的收場）。
《香水》是一部關於氣味的小說，但電影版《香水》卻像是一罐被混雜了太多高檔香精油而失去「重點」的香水，以致距離徐四金原著裡那種原始的魅力非常非常遙遠，尤其片尾那場作為本片宣傳重點的群交高潮戲，被表現得極端鄙俗而少了美妙的想像空間（我相信唯有交給荷索來執行「才有機會」成功）。《香水》是一則關於天才的寂寞，關於天才的悲哀，關於天才以極端的方式向瘋狂的世界證明他的存在的悲劇，於是我想起了曾經入圍金球獎最佳外語片的《沉睡的兄弟》Schlafes Bruder（改編自Robert Schneider小說）。相較於《香水》過份堆砌的人工化精緻，《沉睡的兄弟》反倒還比較原汁原味地呈現了德國文學那種如歌如童話如寓言般，獨特而原始的自然魅力。
結果對我來說，電影版《香水》真正也是唯一的貢獻，在於向廣大的世界觀眾引介了飾演男主角葛奴乙的英國新人班維蕭。他或許其貌不揚，甚至形容猥瑣，但那如野獸般原始的陰騖雙眸，卻令人十足難忘，如果哪天《咆哮山莊》要重拍新的電影版本，或許他會是希斯克利夫一角的最佳選擇。

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本文原刊於〈新台灣新聞週刊〉第586期「電癮隨筆」專欄，請勿轉載，謝謝！
  
  
  
   
1998 年創辦的台北電影節，自從五年前確立「主題城市」的主打方向後，這幾屆以更有系統的方式引介各國新舊佳片，比起年底大拜拜式的老字號金馬影展，的確更受小眾影迷的喜愛。今年，換了新的執行團隊（儘管端出來的菜色不如預期精彩）的第九屆台北電影節，將於本月下旬分別在台北市中山堂、豪華in89數位戲院，城市舞台，及台北縣藝文中心演藝廳播映涵蓋劇情、紀錄、動畫、實驗等總計一百八十八部電影。
 
今年的主題城市是丹麥的哥本哈根，由於全球（包括台灣）觀眾對十年前風起雲湧的逗馬運動及逗馬發起人拉斯馮提爾並不陌生，所以這回策展單位並未再另闢專區介紹這幾尊逗馬名牌。琳瑯滿目的丹麥新舊電影，除了丹麥大師德萊葉的黑白經典絕對值得看大銀幕膜拜以外，【比利小英雄】及【芭比的盛宴】兩部曾經獲得奧斯卡最佳外語片殊榮的丹麥八○年代代表作，同樣不應錯過。至於丹麥當代新選部份，最受矚目的自然是本屆影展的開幕片【誰才是導演】及閉幕片【婚禮之後】，恰巧這兩片都是由年紀輕輕卻資歷完整的安德斯湯瑪斯詹森編寫劇本。如果對這位編逗馬劇本起家，擅長套用通俗劇架構刻劃善意與惡意之間模糊地帶的新銳編導全才感興趣的話，不妨順便觀賞他編而優則導的【瘋狂選舉夜】、【只賣有機肉】，以及他的另兩部編劇作品【窗外有情天】及【荒漠莎跡】。
 
台北電影節相較於金馬影展更顯優勢之處，在於兩年前開始舉辦的「國際青年導演競賽」（只限他們的第一、二部作品參賽），以及國際化之餘仍不忘照顧本土，持續鼓勵國內優秀創作人才而舉辦的「台北電影獎」、「台北主題獎」。這些競賽項目，連同策展單位近年來對華人影像區塊的格外關注，構築出一幅豐富多樣的新銳導演群像。
  
不過還是要說一些老實話，就是這一年來大部分華語片的表現，實在令人不敢恭維。例如影展單位極力吹捧的香港著名MV導演區雪兒的劇情長片處女作【明明】，就是一部完全缺乏自覺的自溺膚淺之作。整部電影從頭到尾就是複製王家衛電影裡的戀物氛圍，迷亂無章喃喃自語地跑．跑．跑…，即使佐以華麗的視覺影像及黃耀明墮落的音符，仍無法安撫那個荒唐到了極點的「收場大驚喜」所帶給觀眾的憤怒情緒。至於去年威尼斯最佳影片金獅獎得主【三峽好人】，以及今年柏林影展最佳影片金熊獎得主【圖雅的婚事】，同樣予人「名過於實」的感覺。【三峽好人】比起導演賈樟柯的前幾部作品，的確平易近人許多，文化符號與政治訊息也豐富依舊，不過正因為他是賈樟柯，基於小眾影迷對這個「品牌」的信心與期待，我們有權力要求更多…。而從一口井、一樁婚事為起點，描述了性與經濟的現實與無奈的【圖雅的婚事】，女主人翁圖雅就跟張藝謀的鄉土電影代表作【秋菊打官司】及【我的父親母親】》裡的女主角們一樣有著堅忍而執著的性格，問題是這樣樸拙感人的中國電影我們已經領教過太多了，儘管寓言體般的無奈收場餘韻無窮，仍不免納悶何以在西方得獎的這幾部中國電影，非得持續消費著西方觀眾對東方文明的奇觀想像。
  
當然還是有少許驚喜的例外，比如「台灣之光」蔡明亮導演的【黑眼圈】三月上院線的票房表現不夠好，這回捲土重來，各位觀眾可別再錯過了。從過去的台北、巴黎，來到這一次的馬來西亞，獨自吃飯、獨自走路、獨自排泄、獨自慰藉、獨自睡覺…，在近乎無聲的沉默中，蔡導與長期合作的攝影師廖本榕以更自信更無畏的姿態，建構出一幅幅漂泊的、安靜的、 詩意的、曖昧的影像。那只有大銀幕才能完整呈現的冰冷中透著詩意與暖意的曖昧收場，凌厲地宣示了即使被威尼斯影展遺漏、被金馬獎排擠，被台灣觀眾忽略，仍無損【黑眼圈】無比原創的驚人藝術價值。
   
此外，入圍「台北電影獎」的【愛的麵包魂】絕對夠格列入本屆影展「非看不可」的清單中。片長只有七十九分鐘的【愛的麵包魂】，洋溢著一股新鮮而草根，彷彿剛從台灣泥土中竄上來（我們甚至還能親自感受到它的熱度）的貨真價實台味。也許台灣電影人操作類型片的成功機率，跟立委爆料的命中機率差不多，但是從整體演員的生動自然度，劇本討好指數，故事訊息從專業面向（糕點烘培）到文化面向（傳統與新技術的拉鋸）的豐富飽滿度，以及全劇攝製技術等標準來檢視這部原先在公視的「人生劇展」單元播映的電視電影【愛的麵包魂】，還真是一次讓台灣人備感驕傲的示範！
  
本屆電影節還包括「舊城新選」、「電影未成年」、「數位新潮流」等單元，從藤澤周平小說改編的【花之武者】、美國人氣女導演蘇菲亞柯波拉以獨特現代角度詮釋瑪莉皇后與路易十六在巴黎大革命前夕宮廷生活的【凡爾賽拜金女】、到得獎連連的法國電影【解構新鮮人】，從六月二十二日至七月九日止，台北西區電影院，真的不打烊！
 
 
 
附記：
台北電影節官網及部落格

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本文原刊於〈電影欣賞〉季刊，請勿轉載，謝謝！
根據中國廣電總局的資料，從2004年開始，中國電影年產量已達兩百部以上（可是很多都排不上院線，直接發碟了事），2005年更是達到260部（事實上合拍片佔了半數），其中包含52部數位電影）的壯觀紀錄（註）。除了前幾段點出名的重點電影以外，其實還有好幾部台灣沒機會上映的片，都該記上一筆。例如備受法國重視的獨立導演王超，他的第二部作品《日日夜夜》描述一名勾搭上師娘的礦工，在師父發生意外過世後所歷經的罪與罰、慾望與贖罪。王超對封閉氣候與傳統價值的悲憫觀察與批判，流動出一股揉合著中國第五代與西方藝術電影風格的奇異氣味，讓他的作品在西方遠比中國受重視。
至於有個中國父親、美國母親，在台灣出生，分別在美國、澳洲及澳門成長，大三又從華盛頓大學轉到北京電影學院導演系的年輕導演伍仕賢，繼得獎連連（分獲威尼斯影展和日舞影展兩個特別提及獎）的十一分鐘短片《車四十四》（Bus 44）之後，終於推出了他的劇情長片處女作《獨自等待》 -- 一則非常符合傳統言情架構的愛情故事。故事描述老是拿好人卡的遜男（夏雨）繞了一大圈子，才發現佳人恰在燈火闌珊處。《獨自等待》的對白逗趣且充滿生活實在感，三位主角夏雨、李冰冰與鞏蓓苾（伍仕賢現實生活中的老婆）的演繹也自然活潑，大概是中國近年來最討喜最具時尚感的一部偶像（趨勢）電影了，完全沒有「俗」味，更沒有中國電影常犯的文謅謅矯飾與浮誇。
還有尚未滿三十歲的年輕新銳寧浩，一連以《綠草地》及《瘋狂的石頭》證明他可以分別駕馭藝術與商業電影。蒙古語發音的《綠草地》以一顆乒乓球在蒙古大草原上引發的幼幼風波，呈現出類似伊朗電影《何處是我朋友的家》（Where Is the Friend’s Home）、《白氣球》（The White Balloon）那種清新真切的純樸感動；《瘋狂的石頭》隸屬劉德華推動的「亞洲新星導」計畫之一，技術執行面也許痕跡過重而不夠俐落，但環環相扣的三方奪寶競技套上地域性濃厚的黑色幽默劇本，在瘋狂與荒謬的諧仿中偷渡小人物無奈與辛酸，貨真價實地散發出中國式幽默，也難怪七月在中國登上院線隨即引發全民觀賞旋風，甚至被評論與觀眾拿來和中國通俗電影之王馮小剛相提並論。
紛擾的政經歷史對藝術家來說，一向是豐沛的靈感泉源；只有張大眼睛正視歷史，才能達到足夠的厚度來抒發創作者的斯土斯情。在悲憫與寬恕的主旋律之外，是否還有其他觀點存在的空間？華人影像工作者面對歷史的態度，似乎永遠缺乏「再多一點」的直接與坦然。無論是香港投機地選邊站，還是台灣懦弱地選擇性失憶，歸納起來到底都是為了不與中國廣大的市場過不去，不與官方審查的意識形態相牴觸。只可惜這樣的迎合與遷就，不但讓華人電影沒辦法開展出傲人的胸襟，更限制了史詩格局的可能性。接下來的十年，兩岸三地是否有機會如日本、韓國與德國般，以人道關懷為本，誠懇書寫上個世紀的斑駁與憂傷，正視並反省長期以來逐漸僵化的絕對價值與信仰呢？作為華語電影永遠的追隨者，我們如此期盼著。
註：
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本文原刊於〈電影欣賞〉季刊，請勿轉載，謝謝！
相較於偏好冷澀中國藝術電影的歐洲三大影展，向來提攜亞洲青年導演不遺餘力的東京影展（雖然聲勢已被釜山超越）近年來卻總能很伯樂地挑出雅俗共賞的中國電影（不曉得日本是否基於贖罪心理），然後給予實際的榮譽獎賞，包括《天上的戀人》、《暖》、《可可西里》，以及馬儷文（她改編自張潔同名小說的處女作《世界上最疼我的那個人去了》，台灣有發行DVD）的第二部作品《我們倆》都是其中佼佼者。
創作者處理關乎自身成長痕跡的故事，可以冷眼旁觀，可以無限深情，當然也可以輕鬆逗趣，可以鄉愁，或是睥睨。馬儷文回味自己的親身經歷，憑兩個主要角色，一間四合院，四個季節，僅僅兩百二十萬人民幣的低成本，讓《我們倆》這部簡單小品沒有淪為呆板的「舞台劇電影」。馬儷文把素昧平生的兩人對共用空間（擺設）、家具（暖爐、電話、冰箱）的爭執與計較，透過銳利的對白及鏡頭的sense，拍出樸實動人的人情趣味。
住正房的屋主，是個守寡超過半世紀，孤僻壞嘴頑固又堅持，實則容易心軟的老太太；住偏房的房客，則是氣焰囂張、錙銖必較，其實只是孩子氣的女學生小馬。霧濛濛的灰藍色嚴冬，兩人關係正逢緊張之際，紅色的春節年紙飾品進駐了老人的心；春，雪融了，天氣開始放晴，兩人關係也漸漸有了改善。懶洋洋的夏日，同時也是和解的季節；秋天，則代表著別離。老的與小的拌嘴，喜趣而溫馨，馬儷文精練的鏡頭卻是透過四季的默默更迭，暗暗泛出一股哀愁。沒有了小馬陪伴的老太太，就如先前她說過的，因為沒人可說話，而失去了語言能力。一直到最後我們才瞭解，原來老太太一直希望小馬當她的孫媳婦，是為了留住她，希望她能住在這老房子裡；一直到最後，老太太因為孫子結婚而讓出這棟房子當成新房，我們才瞭解，這棟靜靜地存在於鬧市胡同中的老房子，竟跟一輩子沒親生孩子的老太太一樣，註定要被時代淹沒。
飾演小馬的宮哲雖是非職業演員，表現卻自然而充滿說服力。八十四歲高齡的藝話劇演員金雅琴首度演出電影，表現令人訝異，儘管整部電影幾乎都是坐著演，那有力的口條（包括那巫婆般的笑聲）卻主導全場，尤其那副乖僻、老番癲的可愛模樣，更是深入人心，拿下東京影展（據說是全體通過）及金雞兩個影后（馬儷文也因此獲得金雞獎最佳導演殊榮），絕對實至名歸。

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